TAREA Nº11. CONSTRUCCIÓN DE UN CÓMIC HISTÓRICO MEDIANTE PUNTOS, LÍNEAS Y PLANOS.

Moebius

Mortadelo y Filemón

Marvel

Hugo Pratt

Hergé

Los 30 mejores mangas japoneses

Practica el achurado o trama de líneas: enlace. Se recomienda el uso de rotulador o bolígrafo.

 ¿Qué hay que hacer?

Realizar un cómic con al menos cuatro viñetas en el que usemos la línea, el plano y el punto si se quiere, como creadores de imágenes.

Se entregarán también los bocetos, todo en pdf o jpg.

Fecha de entrega: 30 de abril.

MÁS RECURSOS :

•  Leer comics Online en Español
• Breve historia del cómic.

TAREA Nº9. Diseño de la portada de la agenda escolar del IES Guadiana.

 

XX Concurso: Diseño de la portada de la agenda escolar del IES Guadiana. 

Bases:

1. Tema: diseño de la portada de la agenda escolar del IES Guadiana para el curso 2025/2026.

2. Requisitos de los participantes: alumnado del IES Guadiana en el curso 2025/26. Cada participante presentará un máximo de 3 trabajos.

3. Plazo de presentación: hasta el 30 de abril de 2026. Se pueden presentar los trabajos en papel o en cualquier soporte que mantenga las medias que abajo se describen. 

4. Características de las obras:
 Los trabajos han de ser inéditos y realizados con rotuladores, témperas, acrílicos, lápices de colores, collage...
 El tamaño de las obras, excluido el margen si lo tienen, debe respetar las proporciones del formato DIN A4 (1 : 1,41) en posición vertical. Para los trabajos en papel, el tamaño mínimo será A5, el máximo A4.
 Deben aparecer, de forma destacada, las palabras “IES Guadiana” y “Curso 2026/27”.
 Debe haber una zona despejada destinada al nombre del alumno/a propietario de cada agenda, y una zona circular con el logotipo del IES (o despejada para incorporarlo más tarde).
 El trabajo debe incorporar motivos relacionados con el IES Guadiana o su entorno.

La portadas realizadas en digital no son posibles debido al uso de la IA.
Se pueden consultar los diseños de años anteriores en la página web del IES Guadiana.

5. Premio: el ganador/a del concurso recibirá un premio consistente en un diploma acreditativo y un vale de 30 euros para gastar en una librería papelería de Ayamonte, o del pueblo en que viva.

TAREA Nº10. CONSTRUCCIÓN DE UN CÓMIC HISTÓRICO MEDIANTE PUNTOS.

 

 ¿Qué hay que hacer?

Realizar un cómic con al menos cuatro viñetas en el que usemos el punto como creador de imágenes. Se pueden usar tramas de puntos o crearlas manualmente.
Se entregarán también los bocetos, todo en pdf o jpg.

Fecha de entrega: 17 de abril.

Los cómics hechos con puntos se refieren principalmente a la técnica de los Puntos Benday, popularizada por Roy Lichtenstein en el Pop Art para imitar la impresión de periódicos y cómics antiguos, creando ilusiones de color y tono con puntos de distinto tamaño y color, un método también usado por los coloristas para tonos de piel y sombras en la era predigital, donde los puntos de tinta generaban la apariencia de distintos matices de color.

¿Qué son los Puntos Benday?

• Imitación de la impresión barata: Eran pequeñas tramas de puntos regulares usados en la impresión comercial (periódicos, cómics) para simular diferentes tonos de color con una paleta limitada de tintas.
• Efecto óptico: Los puntos, al estar juntos, engañan al ojo para percibir un color sólido o un tono de piel, un efecto clave en el cómic clásico y luego apropiado por el arte pop.
• ¿Cómo se usaban en los cómics?
  • Tonos de piel: Puntos de colores (rojos, amarillos) se aplicaban sobre una superficie blanca para crear tonos de piel que no fueran ni completamente blancos ni de un color sólido, dando una apariencia más natural.
  • Sombras y profundidad: Los puntos también se usaban para simular sombras o dar textura a objetos y fondos, una técnica económica para añadir complejidad visual.
  • Estilo Pop Art: Artistas como Roy Lichtenstein llevaron esta técnica a las bellas artes, haciendo de los puntos Benday su marca distintiva, celebrando la estética de la cultura popular y la reproducción masiva.

En resumen: Los cómics hechos con puntos son aquellos que utilizan deliberadamente estas tramas de puntos para evocar el estilo clásico de la impresión de historietas, ya sea como parte de la narrativa visual (puntos Benday) o como una declaración artística que homenajea esa técnica.

Apuntes sobre el PUNTO: 

Dentro del lenguaje visual el punto es lo mínimo que podemos representar, es el menor de los elementos de la imagen. Cualquier forma pequeña que contraste con el entorno, posee una gran atracción para el ojo y se convertirá en un centro de atención. Carece de dimensión y sirve para muchas cosas, por ejemplo,  esta imagen que estás viendo en tu pantalla está constituida por píxeles o las revistas y libros están configurados por puntos.

Existen tres tipos de puntos fundamentales:

• Centro geométrico.
• Puntos de fuga.
• Puntos de interés.

El punto tiene dos relaciones espaciales con el encuadre: existen fuerzas proporcionales a su distancia desde cada esquina y por otra parte su posición marca líneas implícitas que sugieren  una división horizontal y vertical del encuadre.

El punto debe de usarse para:

• Compensar el peso de algunos elementos ( por ejemplo un volumen mayor)
• Crear dirección y movimiento.
• Varios puntos pueden crear líneas de fuerza, como puntos de fuga.
• Medir el espacio y crear profundidad. Por comparación un punto puede darnos la idea de la escala junto a una forma mayor.

Zonas donde colocar un punto único:

• En el centro del encuadre desarrolla un carácter simbólico, algo reservado a un protagonista.
• Cerca de los bordes de la composición genera desequilibrio si no interactúa con otros elementos.

RECURSOS DE TRAMAS PARA IMPRIMIR Y PEGAR SOBRE CARTULINA O PAPEL GRUESO:

TAREA Nº8. CUADERNO AL AIRE LIBRE, URBAN SKECHERS.

VER VÍDEO

¿Qué hay que hacer?

Emplear un cuaderno de dibujo igual o menor que un A4 y dibujar al aire libre rincones vivos de Ayamonte o de tu pueblo. Es recomendable salir en  grupos para arroparse y motivarse. Los trabajos se publicarán en el blog de clase tras ser entregados al profesor.

Urban sketching es el término inglés para dibujante urbano. Es un ilustrador que dibuja del natural, en la calle. Normalmente lo hace sobre cuaderno. Y el objetivo es acabar el dibujo en la misma calle, en una sola sesión. Por lo tanto un «urbansketcher» es un dibujante urbano.

Hasta ahí la definición estricta. Pero con la aparición de las redes sociales, el término ha adquirido un aspecto más social. ¿Por qué? Porque una característica importante es que estos dibujos hechos en vivo se comparten en redes. Y además se queda en grupos para dibujar juntos.

Vea el mundo un boceto a la vez.

Urban Sketchers es una comunidad global de dibujantes dedicados a la práctica del dibujo in situ. Compartimos nuestra pasión por los lugares donde vivimos y viajamos, un dibujo a la vez.

CÓMO DIBUJAR EN PRESPECTIVA

https://joaquindorao.com/urbansketching-que-es-un-urbanketcher

https://www.domestika.org/es/blog/5144-que-es-el-urban-sketching?exp_set=1

Fecha de entrega: 27 de marzo.

TAREA Nº 7. CUADERNO DE ARTISTA DESDE EL EJEMPLO DE LOS GRANDES MAESTROS.

La historia del dibujo artístico es la evolución de la expresión gráfica humana, desde los primeros trazos simbólicos hasta la sofisticación digital actual.

Etapas principales de su evolución.

Prehistoria (hace 73,000 años):

 Los primeros dibujos conocidos son patrones de líneas cruzadas encontrados en Sudáfrica. Posteriormente, en el Paleolítico Superior (35,000 a.C.), surgieron las pinturas rupestres en cuevas (como Altamira), utilizando pigmentos naturales para representar animales y escenas de caza con fines rituales y comunicativos.

Antigüedad:

• Egipto (2050 a.C.): El dibujo se vuelve más estilizado y simbólico, utilizándose principalmente en papiros y muros de templos para temas religiosos y políticos.
• Grecia y Roma (1300 a.C. - 500 d.C.): Se introdujo la búsqueda de la proporción y el realismo de la figura humana. Los griegos sentaron las bases de la anatomía artística.

• Edad Media (Siglos V - XIV): El dibujo artístico se centró en la religión, utilizándose para ilustrar manuscritos y códices realizados por monjes.
• Renacimiento (Siglos XIV - XVI): Es la "época dorada" del dibujo. Artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel lo elevaron a una disciplina autónoma y fundamental para el estudio de la perspectiva, la anatomía y la naturaleza. Se popularizó el uso del papel y técnicas como el carboncillo y la tinta.
• Barroco y Siglo XIX (1600 - 1900): Surgieron nuevas técnicas como el pastel y se exploró el claroscuro. Con el realismo y el impresionismo, el dibujo comenzó a priorizar la captura del momento y la luz sobre la línea técnica estricta.
• Siglos XX y XXI: Aparecieron las vanguardias (cubismo, surrealismo), donde el dibujo se liberó de la obligación de copiar la realidad para explorar la abstracción y la expresión emocional.

El Dibujo en la Actualidad 

Hoy en día, el dibujo artístico convive en dos formatos:

1. Analógico: Uso de soportes tradicionales (papel, lienzo) y materiales clásicos (grafito, óleo).
2. Digital: Empleo de tabletas gráficas y softwares especializados (como Photoshop o Procreate) que permiten una creación inmediata y globalizada.
3. Híbrido: Herramientas que digitalizan trazos manuales en tiempo real, facilitando la integración de técnicas clásicas en flujos de trabajo modernos.

Hitos visuales en la historia:

El Grito de Edvard Munch

La ruptura expresionista: Obras como El Grito de Edvard Munch marcaron el paso del realismo a la expresión de la angustia interna mediante el trazo.

El expresionismo fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no pocos puntos en común (rechazo de la mímesis, colores violentos…)

Sin embargo difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno…

El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva (aunque en definitiva, esa puede ser una definición válida del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano.

Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los principios del arte (ahí tenemos los casos de Bruegel, Goya, Van Gogh o El Greco, por citar solo algunos), pero fue en esta atmósfera pre-bélica de Alemania cuando artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual se unieron para la creación de un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—.

Tenemos así temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte, el sexo… Una forma de reflejar la amargura existencialista de esos años, con una visión trágica del ser humano en la que el individuo va a la deriva en la sociedad moderna, industrializada, donde se ve alienado, aislado… ¿Os suena…?

Hoy sigue existiendo el expresionismo… Nunca se fue del todo, sin embargo como corriente artística concreta y estéril debemos dividirla en cuatro periodos, cuatro escuelas artísticas que influyeron notablemente en todo el arte posterior:

1. Etapa pre-expresionista: Dos figuras abrieron la puerta al expresionismo años antes que los jóvenes alemanes: Munch en Noruega y Ensor en Bélgica fueron pioneros en mostrar lo grotesco y lo extraño. En definitiva la disección del alma humana.
2. Die Brücke: (El puente). En 1905 nace en Dresde «un puente para sentar las bases de un arte de futuro». El grupo Die Brücke, liderado por Kirchner, pretendió influir en la sociedad destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración fluir libre y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista. Un poco de crítica social los convirtió en enemigos número 1 de la juventud alemana… y ya sabemos lo que le gusta a la juventud los enemigos Nº1.
   El color y sus temas fueron las herramientas para ello: obras angustiosas, marginales y desagradables. También las técnicas: les interesaban las obras gráficas ásperas como la xilografía, con la que podían plasmar su concepción del arte de una manera directa, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban.
3. Der Blaue Reiter: (El jinete azul). Surgió en Múnich en 1911, agrupando a artistas con una determinada visión del arte, en la que imperaba la libertad creadora y -otra vez- la expresión personal y subjetiva de las obras.
   Distaban de Die Brücke por no tener una actitud tan temperamental, una plasmación casi fisiológica de la emotividad. Der Blaue Reiter pretendían ser más refinados y espirituales, pretendiendo captar la esencia de la realidad a través de la purificación de los instintos. En vez de deformar, optaron por depurar, llegando así a la abstracción.

4. Finalmente hay que citar aparte el expresionismo libre de la Escuela de París, un grupo de gentes aún más variopinta que se crió en ese caldo de cultivo que fue el París de entreguerras (1905–1940). Como esponjas que eran, chuparon de todos los estilos habidos y por haber, incluido el expresionismo. Pululando por Montmartre y Montparnasse, los expresionistas de París vivían una vida mísera y bohemia -fueron conocidos como «les maudits» (los malditos)- y crearon un arte heterodoxo, generalmente bohemio y torturado.

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Pablo Picasso.  Retrato de Ambroise Vollard

Vasili Kandinski 1914

Cubismo y abstracción: Pablo Picasso y Vasili Kandinski revolucionaron la forma de entender el espacio y la figura, alejándose de la perspectiva tradicional renacentista.

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados solo por la presencia de la cola del mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son tan nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir, es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la «crítica», llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva realidad. Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra realidad.

Si bien desde el primer arte elaborado por el ser humano ya tenemos ejemplo de abstracción (desde las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en iglesias románicas), es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto (aparte tenemos a los neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes figuras aisladas como la de Hilma af Klint).

El arte abstracto existe independientemente de la realidad, la aleja. El arte abstracto no representa nada en realidad, pero como eso es imposible (¡hasta un lienzo en blanco representa algo!) los artistas abstractos tiraron (tiran) por dos vertientes diferenciadas:

• Por un lado al arte abstracto expresivo: subjetivo y espontáneo, improvisado a veces, donde el protagonismo es de la expresividad del artista, que prescinde de estructura y se vuelca en el gesto, el material y el sentimiento que provoca la obra. Es por tanto altamente ambiguo e interpretable.
• Por otro está el arte abstracto geométrico: que pretende ser objetivo y universal, planificado, en la que la composición es estructurada y que evita toda expresividad mediante el uso de la geometría. Suele defender una factura impersonal y pretende evocar claridad y precisión.

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Salvador Dalí: "La tentación de San Antonio"

Surrealismo: El surrealismo es un movimiento artístico surgido en la década de 1920 que se caracteriza por expresar imágenes irracionales y oníricas. André Breton es considerado el padre del surrealismo y esta corriente pretendía superar el racionalismo en el arte y explorar el subconsciente. El movimiento estaba influido por las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud y utilizaba técnicas colaborativas para crear combinaciones inesperadas en las obras de arte.

Salvador Dalí utilizó el dibujo preciso para representar mundos oníricos e ilógicos, propios del inconsciente. 

 ¿Qué hay que hacer?

Vamos a crear un cuaderno personal copiando e interpretando a los grandes maestros de la historia del arte. El tamaño es libre, sabiendo que si es muy pequeño, será más difícil dibujar los detalles. Se podrá emplear cualquier técnica quirográfica: lápices, rotuladores, bolígrafos... Podéis comprar un cuaderno o simplemente unir al final todas las hojas dibujadas. Se puede personalizar tiñendo las hojas por ejemplo.

Artistas a los que hay que copiar e interpretar:

• Edgar Degas (1834 – 1917)
• Auguste Rodin (1840-1917)

Van Gogh (1853-1890)

• Pablo Picasso (1881-1973)
• Alberto Giacometti (1901-1966)
• Salvador Dalí (1904-1989)

• En total serán doce dibujos. Elige el dibujo que quieras de cada artista.

La interpretación será un dibujo realizado de manera semejante al estilo del artista.

Fecha de entrega: 6 de marzo.

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• Edgar Degas (1834 – 1917)

• Auguste Rodin (1840-1917)
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Van Gogh (1853-1890)

• Pablo Picasso (1881-1973)

• Alberto Giacometti (1901-1966)

• Salvador Dalí (1904-1989)